Hayao Miyazaki: El último clásico de la animación

Si con más de quince años de edad afirmas que te gustan los dibujos animados puedes ser tildado de freak. Si encima comentas que tu realizador favorito es uno de los creadores de “Heidi” y “Marco” tienes el peligro de quedarte fuera de tu círculo social. La única manera de convertir a los ilusos que creen que la animación oriental solo son patadas, humor grueso y violencia a raudales, es inyectarles por vena todo la filmografía del cineasta más grande que haya dado Japón desde Akira Kurosawa: el genial Hayao Miyazaki.

20 razones para conocer la importancia actual que tiene su obra podrían resultar suficientes para rastrear las bondades de un género con notable salud y la idiosincrasia de un autor en su plena madurez.

1 ¿QUIÉN ES MIYAZAKI? Fue uno de los impulsores de la serie de animación para televisión, allá por la década de los 60 del pasado siglo bajo la productora Toei, con títulos tan populares como “Heidi”, “Marco”, o de culto como “Conan , el niño del futuro”, “Sherlock Holmes” o “Lupin III”. Y es la pieza clave del Studio Ghibli (fundado en 1985), el único capaz de superar a la todopoderosa Disney con títulos como “Mi vecino Totoro”, “La princesa Mononoke” o “El viaje de Chihiro”. Títulos clave de cine de animación contemporáneo que muestran que su éxito no es sobrevalorado.
2 PREMIOS El reconocimiento mundial le ha llegado un poco tarde, cuando supera los 60 años de edad. Se hizo popular en Occidente cuando Disney firmó un acuerdo con Ghibli para distribuir sus películas fuera del mercado oriental, y “La princesa Mononoke” (1997) llegó al público de todo el globo siendo un éxito total. Pero fue en 2001 con “El Viaje de Chihiro” y tras ganar el Oso de Oro en el prestigioso Festival de Berlín (la primera vez que se daba a una película de dibujos animados) cuando la industria cinematográfica se dio cuenta de que existía vida inteligente en el género de la animación más allá de los títulos de siempre, e incluso Hollywood se rindió a los pies de Chihiro otorgándole el Oscar a la Mejor Película Animada.

3 GRAN PÚBLICO Puede gustar a cualquiera, desde al niño más pequeño, hasta a los padres que lo acompañan, pasando por el crítico más sesudo. Y es el ejemplo ideal para convencer a aquellos que creen que los dibujos animados solo están bien si llevas pañales o los programan por la televisión a las tantas de la madrugada.

4 ¿QUÉ LE HACE ÚNICO? Como todo autor que se precie de ser denominado con tal término, tiene un universo exclusivo que siempre está presente de múltiples formas y contenidos. Todas sus películas son diferentes y originales en su argumento, al mismo tiempo que reflejan el mismo estado de ánimo optimista ante la vida, las mismas obsesiones, y su punto de vista sociológico del momento. Además de tener adscrito el cuño de clásico en su vertiente más positiva: la de que nunca pasa de moda. Aunque si hablamos de clasicismo en términos más literales, no estamos ante una animación que siga el modelo narrativo clásico. Puede que el estilo plástico lo sea más, pero desde la perspectiva del relato se aleja de los cánones y por ello resulta ser una animación tan magnética.

5 PASIÓN POR VOLAR Aparte del dibujo, su gran pasión es la aviación. En cada una de sus películas se puede observar que volar se convierte en un tema recurrente ya sea de manera fantástica (dragones, escobas mágicas, naves espaciales), como a través de aviones, zeppelines, o medios de transporte aéreos reales. En este aspecto “Porco Rosso” (1992), la historia de un joven aviador, convertido en cerdo a causa de una maldición, y sus aventuras en la Italia de Mussolini, es la película donde Miyazaki rinde culto de manera abierta al mundo de la aviación.

6 HÉROES Y VILLANOS A MEDIAS En sus historias no existe el maniqueísmo. El bien y el mal tienen más de una conexión, y el héroe y el villano no están tan separados como puede parecer en un primer momento. El buen trazo psicológico de los personajes hace que el espectador conozca las bondades del supuesto malvado, como el lado oscuro del protagonista, a través de la sutileza digna de un gran conocedor del alma humana, que no juzga a sus personajes. El ejemplo más claro reside en “La princesa Mononoke”, donde a lo largo de la historia se tiende hacia un desenlace donde apenas se discierne entre vencedores y vencidos. Esta cierta ambigüedad humaniza más sus historias, y se suele dar sobre todo por la apertura de miras. Como en “Alicia en el País de las Maravillas”, la niña conoce las maldades y bondades del mundo en el que vive a través de un viaje fantástico, que también se observa en “El Viaje de Chihiro”; no sólo en la sofisticación de los dibujos y en la sabia combinación de un tratamiento realista con ese toque fantástico que revierte en el universo mitológico del cuento japonés, sino también porque recoge un relato universal: el descubrimiento a través de la experiencia, del valor y del esfuerzo. En una entrevista Miyazaki negaba rotundamente que la historia estuviera inspirada en el cuento de Lewis Carroll, pero es innegable las enormes similitudes que guarda con él.

7 HEROÍNAS Se puede decir que el protagonismo principal de la historia reside, casi en un noventa por ciento de sus obras, en una mujer. O mejor dicho, en una niña o adolescente. Miyazaki dice al respecto “que hay un sinfín de publicaciones para niños” y que “se propone el reto de escribir algo que atraiga a las niñas”. Pero seguramente Sigmund Freud sacaría alguna razón mucho más profunda que la dada por el creador japonés, si observara que la fuerza física y moral que explota en cada una de estas diversas heroínas (desde la Nausicaa de “Guerreros del viento”, hasta las hermanas de “Mi vecino Totoro”) resulta ser un poder de sacrificio muy poderoso. Pero sin tener la opinión del maestro del psicoanálisis, se puede afirmar que el viaje o itinerario como forma de experiencia que acompaña a los protagonistas es una línea temática que ha empleado en casi todas sus animaciones.

8 MALVADAS Como antagonistas principales también tenemos a mujeres, de diversas edades, pero principalmente ancianas que poseen una fuerza considerable que las hacen huesos duros de roer. Yubaba, directora del Palacio de los Baños en “El Viaje de Chihiro”; la Bruja de las Landas en “El Castillo Ambulante”; o Lady Eboshi capitaneando a los fundidores de hierro en “La princesa Mononoke”, son personajes ariscos que terminan, a causa del esfuerzo mitigador de la protagonista de turno, accediendo a razones que no estaban en un principio en sus planes ambiciosos. Para reflejar esta evolución y ambigüedad, Miyazaki acude a recursos brillantes como en “El Viaje de Chihiro”, donde la bruja Yubaba y su hermana gemela, la bruja Yeniba, se complementan por sus caracteres opuestos.

9 GUERRA Y PAZ Las contiendas bélicas, y los enfrentamientos en general, son tratadas como acontecimientos desastrosos, sin sentido. Ya sea a gran escala (una gran guerra) o a un nivel más local (al confrontar a dos pueblos vecinos), el mensaje que emana viene a expresar la inutilidad de responder con violencia a la violencia.

10 PRÍNCIPES Y PRINCESAS La realeza suele tener papeles fundamentales en el transcurso de la mayoría de sus historias. Y aunque a veces sus miembros no salen muy bien parados (caracterizados como ingenuos, caprichosos o codiciosos insaciables), varios de sus personajes principales son jóvenes príncipes y princesas, que están muy lejos de los idealizados infantes que Disney y los cuentos de hadas nos han mostrado durante décadas. Ni siquiera se diferencian físicamente ni formalmente del resto de personajes, y es la alta capacidad de liderazgo, como el impulso por cambiar un destino fatal, lo que les hace destacar sobre los demás. De todas formas, estos elegidos de sangre azul son héroes valerosos y autosuficientes cuando pertenecen a una tribu, un pueblo o un reino en peligro de extinción, y son mostrados como ociosos y pueriles cuando están bien asentados dentro de sus palacios, o en un gran ciudad, resguardados del peligro exterior.

11 LO FEO La belleza física del ser humano aparece con cuentagotas en sus historias. La mayoría de personajes tienen rasgos normales (incluso sujetos de diferentes películas poseen el mismo trazo de dibujo en sus rostros), lo que le ha llevado a desencadenar, ante todo en sus últimos trabajos (criticando el valor que tiene la belleza hoy día), una estética de lo feo, una defensa del proceso natural de envejecimiento (la nariz grande, el arrugamiento de la piel, el encorvamiento del cuerpo, los cabellos grises, las verrugas, etc.). A lo largo de su filmografía presenciamos como la época preadolescente es el inicio de esta preocupación por seguir la moda y no sentirse excluido de la tendencia estética que define la sociedad (“Nicky, la aprendiz de bruja”). Y se nos enseña que asumir la diferencia ante los demás no solo es una cuestión de valor y optimismo sino un camino perfecto para que crezca la tolerancia (“El Castillo Ambulante”).

12 LA NATURALEZA VIRGEN Miyazaki adjudica la categoría de lo bello a la naturaleza. El paisaje virgen y el peligro de su destrucción (“La princesa Mononoke”), así como la armonía que sienten algunos personajes cuando están en relación con la naturaleza (un ejemplo es el mago Howl de “El Castillo Ambulante” y sus recuerdos infantiles en el valle donde creció) muestra el respeto ecológico y “el vínculo con la naturaleza” que según el propio autor “es aún una característica esencial del alma japonesa”.

13 DIOSES Los dioses y los símbolos religiosos japoneses son algo muy presente en sus historias. Y Miyazaki explica que “en Japón la religión es más bien una cosa cultural en lugar de algo que necesariamente atrae a seguidores”, y lo utiliza porque “da testimonio de la tradición y la realidad”. Y no hay más que ver con que naturalidad incluye dentro del argumento diversos dioses, logrando una gran imaginación visual a la vez que escenas simpáticas como las que ocurren cuando los dioses acuden a los Baños (“El Viaje de Chihiro”) para tomar un descanso después de la jornada laboral. Pero, sin lugar a dudas, el personaje de “Sin Cara”, definido por su propio autor como un “dios errante”, puede ser la metáfora ideal de la fe que todo ser humano necesita hallar para seguir viviendo, y a la que cada uno, sea en forma de un dios y de una religión particular, o de algún modo más material, necesita aferrarse.

14 LA AMENAZA Uno de los factores que hacen de Miyazaki un gran narrador es que suele ir al grano desde el primer momento. En sus películas más combativas, el peligro que hace que la acción transcurra suele aparecer en la primera escena (el secuestro en “El Castillo en el Cielo” o la plaga destruyendo un poblado en “Guerreros del viento”) lo que pone al espectador dentro de la historia enseguida. En “La princesa Mononoke” este inicio amenzante también se da, y la aparicién de un dios bueno plagado de un virus destructor hace presagiar el desastre, en este caso, de la naturaleza.
15 COYUNTURA ACTUAL Suele mirar el presente para cerciorarse de lo que puede pasar en el futuro. Seguramente no le gusta dar consejos o sermones, pero intenta reflejar los males de una sociedad que por mucho que evolucione en lo tecnológico (medios de transporte más rápidos, armas cada vez más destructoras, robots que incluso son abandonados a la deriva cuando ya no sirven) está olvidando preservar la naturaleza, se mira demasiado el ombligo, no va más allá de las apariencias, y responde enseguida con actos de violencia. No es muy difícil observar metáforas y aspectos literales que nos puedan recordar a las guerras actuales: no solo hay dos bandos sino grupos independientes que van por su cuenta y a los que les favorece el descontrol que la guerra ocasiona para ejecutar sus planes (serian los grupos terroristas actuales); descubrimientos y armas poderosas vistas como tesoros que dan el poder absoluto al que las posee (¿armas de destrucción masiva?); o apoderarse de recursos naturales para incrementar la riqueza personal. Todo ello puede verse magistralmente compactado dentro de la que quizás sea su mejor película: “La princesa Mononoke”, donde una aventura totalmente entretenida y maravillosa deja un profundo mensaje de paz, así como de ecologismo y tolerancia.

16 LA MADRE AUSENTE Al igual que en el cine de Steven Spielberg siempre se puede extraer algún rasgo que connota la relevancia, que tiene en la vida del protagonista, la ausencia de la figura del padre, en el cine de Miyazaki la figura materna ejerce un gran poder. Y su ausencia puede resultar por sí misma el eje central del argumento (la madre ingresada en el hospital de “Mi vecino Totoro”), así como su recuerdo en la lejanía (la madre que ha dejado volar a su hija- aprendiz en “Nicky, la aprendiz de bruja”), o los personajes solitarios que viven en “El Castillo Ambulante” y que ven en la aparición repentina de Sophie la madre que les faltaba.

17 LA FAMÍLIA Es la constitutiva de la base de equilibrio en el estado emocional del héroe” Puede traer una felicidad relevante (en los años 60 donde transcurre la acción de “Mi vecino Totoro”), pero también una seria descomposición (en la actualidad que refleja “El Viaje de Chihiro”). Se pasa de saber compartir la vida cotidiana con los padres y los hermanos, a ser hija única y caprichosa. Chihiro ya no tiene nada que ver con las hermanas de “Mi vecino Totoro”. Las dos películas tienen un inicio similar, en cuanto a que las familias están haciendo la mudanza a su nueva vivienda, y mientras estas últimas están muy ilusionadas y ayudan al padre, Chihiro no para de refunfuñar y mostrar su desagrado ante tal cambio. Miyazaki es tajante al explicar las razones: “Su enfado es típico de los niños que no tienen suficiente tiempo para jugar […]. En un mundo que les protege en exceso, donde no pueden jugar a menos que sea un club con un horario fijo, los niños se están atrofiando”. Pero cuando la niña no tiene más remedio que ponerse a trabajar y luchar por sacar adelante su situación y salvar a sus padres, se observa que valora mucho más las cosas. Quizás Miyazaki nos quiera decir del mismo modo que los niños de hoy día están demasiado consentidos, no se les enseña a valorar lo que tienen y el esfuerzo que cuesta lograr un objetivo.

18 LA MÚSICA Joe Hisaishi es el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Autor que ha trabajado también con otro gran realizador japonés, Takeshi Kitano. Con sus composiciones dota a la imagen de una emoción especial desde el primer momento. Suele crear melodías pegadizas, que se repiten a lo largo del film para crear un énfasis en alguna acción del héroe, o ante todo para resaltar el avance afectivo que puede mostrar una relación. Porque uno de los aspectos básicos del cine de Hayao Miyazaki es la confrontación y la conjunción de caracteres, los lazos de unión que se establecen entre desconocidos, dando lugar a momentos que podrían ser perfectamente escenas de amor, si no fuera porque en dichas historias parece como si una relación de amor costará mucho de asumir y establecer. La música de Hisaishi, por lo tanto, se convierte también en melancolía desde el instante en que Miyazaki pone dificultades para que el acto de amor adquiera solidez. Por tanto, no sería extraño afirmar que se establece una cierta represión sexual como un reflejo más de la cultura oriental, que con la música dota de triste resignación a los personajes.

19 ¿EL FINAL DE UN CICLO? El autor japonés que tantos años llevaba luchando por sacar adelante sus proyectos ya avisó a mediados de los 90 que “La princesa Mononoke” (1997) sería su último trabajo. El esfuerzo realizado causó estragos en su salud. La productora se jugaba mucho con esta película y un posible acuerdo con Disney para su distribución foránea podía ser una tabla de salvación. El talento de Miyazaki y de todo su equipo sacó adelante el proyecto, y se convirtió en el primer gran éxito mundial de una película del Studio Ghibli. Fue como un reconocimiento unánime, que llegaba un poco tarde pero en el momento justo, para que el estudio y sus componentes cogieran fuerzas y respiraran tranquilos pensando en el buen trabajo que habían realizado durante tanto tiempo. Todos los premios y las valoraciones recibidas han servido para realizar dos grandes obras más (“El Viaje de Chihiro”, 2001; “El Castillo Ambulante” de 2004), pero parece más que probable que Miyazaki, a sus 64 años de edad, se retire pronto. Ghibli ha terminado su relación contractual con Disney y el futuro del estudio está en el aire ya que, si de verdad se retira el autor que tanto prestigio les ha dado, la responsabilidad de sustituirle recaería en autores ya veteranos y pertenecientes a Ghibli desde hace años, como Isao Takahata (autor en 1988 de “La tumba de las luciérnagas”), o en futuras promesas como el propio hijo de Miyazaki, Goro, que tiene una película pendiente de estreno.

20 DISNEY Aparte de haber tenido un papel importante a la hora de dar a conocer las últimas películas del estudio japonés por todo el mundo, el monstruo empresarial que representa la factoría norteamericana siempre ha mirado de reojo los trabajos que Miyazaki realizaba. Son dos maneras distintas de tratar el dibujo, tanto de forma como de fondo, pero ello no es obstáculo para que el presidente de Disney, Michael Eisner, haya hablado abiertamente de lo mucho que le gusta el trabajo del japonés: “No debería decirlo pero la verdad es que “Totoro” (“Mi vecino Totoro” ,1988) “es la película infantil que más me gusta. Tiene una magia imposible de definir. Antes de que saliera en vídeo en Estados Unidos tenía en casa una copia en japonés. Un día la encontraron mis hijos y aunque obviamente no entendían los diálogos la película les fascinó. Perdí la cuenta del número de veces que la vieron”. Son de alabar declaraciones como estas. Del mismo modo que no es difícil extraer una semejanza actual entre ambos estudios de animación, ya que Disney, tras su ruptura con Pixar y su declaración abierta de dejar la animación tradicional que le ha hecho estar a la cabeza de la industria durante más de medio siglo, también presenta un futuro incierto que tan solo se medirá por el baremo de éxito-fracaso que tengan sus nuevas obras de animación digital. Los estudios de animación saben que ahí reside el presente y el futuro del género. Aunque también se sabe que no hay que pensar tan solo en la forma y ello obedece al hecho de que exista una cierta tendencia a desmarcarse del tratamiento realista. Puede ser por el agotamiento creativo de una cierta narrativa limitada a la mirada de la realidad. El público (los niños y los no tan niños) demanda propuestas novedosas y creativas que puedan sorprenderle y que le aporten una nueva dimensión a la forma de ver las cosas.

Tanto Studio Ghibli como Disney, con sus presentes reestructuraciones, dejan la puerta abierta para que nuevos creadores dejen su huella atemporal, dentro de un género cinematográfico que siempre ha sido tratado como menor y cuyo público objetivo no tenía, en teoría, más de diez o doce años. Pero tan solo hay que adoptar un nuevo prisma: la animación, como las películas dramáticas de ficción o documentales, facilita la construcción de imaginarios y, además, arroja luz sobre nuestra propia realidad del momento social en que vivimos a través de operaciones narrativas que permiten trascender el relato para enunciar un discurso cargado de significaciones culturales, históricos, sociales o políticos. Además de entretener, por supuesto, puede proporcionarnos una interesante dimensión ética de las cosas.

Se ha demostrado que con una labor exhaustiva que mire más allá del simple entretenimiento infantil, se puede llegar a regocijar a un público adulto que pueda tener en autores, ya clásicos, como Hayao Miyazaki, una potente respuesta a la incómoda pregunta: ¿Qué haces viendo dibujos animados con lo mayorcito que eres?

Filmografía de Hayao Miyazaki (nacido en Tokio, el 5 de enero de 1941)

1985 – Nausicaä del Valle del Viento

1986 – El Castillo en el Cielo

1988 – Mi Vecino Totoro

1989 – Nicky la Aprendiz de Bruja

1992 – Porco Rosso

1997 – La Princesa Mononoke

2001 – El Viaje de Chihiro

2004 – El Castillo Ambulante

2008 – Ponyo en el acantilado